SPECCHIO DELLE MIE BRAME

Dopo aver assistito a uno spettacolo di NoGravity Theatre ed esserne rimasti molto favorevolmente colpiti, sembrerebbe difficile poter provare ancora più entusiasmo vedendone uno nuovo. Una volta visto che tutto si basa e gioca su quell’incredibile effetto tra l’arte visiva e l’illusione.  Che si ottiene con uno specchio inclinato dove si rispecchiano i ballerini, con i loro movimenti in perfetta sintonia  e spesso acrobatici, eseguiti stando a terra. Invece è una nuova straordinaria "pseudo-sfida alla gravità" quella che si prova per Avantgarde, in prima milanese al Teatro Menotti, da ieri all’8 novembre, per celebrare i vent’anni della compagnia.

La nuova creazione di NoGravity, firmata da Emiliano Pellisari e Mariana Porceddu, s’impone questa volta con inedite suggestioni, che guardano all’avanguardia del Novecento, al Futurismo, ma anche all’arte di Mondrian e Fontana. Nel primo quadro vivente le ballerine (non ci sono uomini), apparentemente nude, in realtà con tute sottilissime, volteggiano formando quadrati, triangoli e altre figure geometriche non meglio identificate, con elementi metallici. In un altro quadro, escono da un enorme arazzo, ovviamente rispecchiato, che occupa tutta la scena, si nascondono tra le pagine di giornali, come in un nido, per poi librarsi nell’aria. Nell’ultimo quadro il gusto per le geometrie  si ritrova nei grandi ventagli che diventano ora delle gonne, ora degli ombrelli a cui appendersi e farsi trasportare in un volo nello spazio. Tutto con una ben studiata scelta di musiche in accordo. 

DIVA E DONNA (SOPRATTUTTO)

Come sempre il Teatro della Cooperativa di Milano propone uno spettacolo dove le risate si intrecciano con la riflessione, in un equilibrio perfetto. S’intitola Diva – meglio all’inferno sui tacchi che in Paradiso con le ballerine ed è in scena da ieri fino all’8 novembre. Con la sospensione di venerdì 30, per lo sciopero nazionale dei teatri.  Sul palcoscenico solo lei, la drag queen Greta Sofia Pilloni che si racconta in un monologo, scritto e diretto da Andrea Ibba Monni. 

Entra arrivando dall’ingresso del pubblico, altissima, resa ancora più alta da svettanti sandali con zeppa, una capigliatura folta e “cotonatissima” e un grande mantello di seta. Fa domande e commenti guardando il pubblico ed è subito simpatica, sprizza empatia. Si fa aiutare per salire sul palcoscenico in un atteggiamento da diva d’altri tempi e poco dopo si toglie il mantello e resta con un miniabito maculato con vita strizzata, che fa risaltare il possente seno. In un voluto “effetto eccesso”. Quindi continua la sua stand up comedy ballando e prendendo le voci del repertorio sexy di varie icone, prima tra tutte Raffaella Carrà con il suo Tuca Tuca. Si interrompe e descrive la sua vita in un paese sardo con tutti i difetti del piccolo paese (pochi abitanti che si conoscono tutti e sparlano l’uno dell’altro) e il traffico e la confusione della grande città. Con continue, intercalate battute di spirito, parla del rapporto con la sua famiglia, incapace di capire i suoi stati d’animo, il suo sentirsi più femmina che maschio, la vergogna e i desideri bloccati con cui deve convivere. Ma anche la forza e la volontà di arrivare alla libertà, lasciando il paese ed entrando nel mondo dello spettacolo.  Pur nella comicità, piacevole e mai volgare, tra una risata e l’altra il suo discorso diventa una storia da applicare a molte vite, a molte fragilità e alla voglia di superarle.  Senza mai  spingere alla facile commozione, ma continuando a far ridere . Alla fine, dopo gli applausi che interrompe, scende dal palcoscenico, sempre chiedendo di essere aiutata e si posiziona all’uscita con un regalo, annunciato. E’ una tipica immagine religiosa, ma ingrandita,  con da una parte il suo viso da Santa Greta Sofia patrona dell’Autodeterminazione e delle scelte Consapevoli e dall’altra una poesiola-preghiera in cui riassume con irresistibile humour i "precetti” della sua vita. 

GIOIELLI DIVERSI

Qualcosa di bello viene spesso definito un gioiello. Vale per oggetti, edifici, creazioni, perfino comportamenti umani. La sesta edizione di Jeweklry week, a Milano dal 20 al 26 ottobre, ha rivelato la varietà del gioiello, ma nel senso più tradizionale del termine. Cioè il gioiello come qualcosa da indossare, che si propone in tutte le possibili espressioni. Non è un caso che abbia coinvolto boutique, gallerie d’arte, negozi di design, ottiche. 

Si parla di 400 espositori da 60 Paesi e circa 20mila visitatori. Con una concentrazione nella Jewelry Hub di Palazzo Serbelloni e nell’Artistar Jewels e Talent Show a Palazzo Bovara, entrambi in Corso Venezia. Soprattutto in questa seconda esposizione si sono viste le proposte più creative e soprattutto quelle in cui la contaminazione con l’arte è più evidente. Collane che raccontano, con le pietre, la natura, i fiori, gli animali o il mare con vere conchiglie. Anelli che esprimono una protesta come quelli in argento di Pagah Novin, iraniana, basata a Dubai. Una forchetta di metallo piegata diventa un bracciale. Traggono spunto dalle architetture, ma giocano anche sull’horror le creazioni in argento di Varvara Krotkova, con atelier a Berlino (al centro). S’ispira all’architettura anche la brasiliana Camila Sangi per i suoi occhiali-gioiello in argento. Sono in titanio o in corno, lasciato al naturale, gli occhiali-gioiello Wassa Optical Creators. Progettati da Pippo Mento e Marco Annibali hanno fatto la loro apparizione da Oonconventional di Marco Annibali(in alto). Un’ottica, come dice il nome, particolare, più simile a una galleria d’arte. Non solo per l’eyewear proposto, tutti pezzi unici e su misura, ma per l’arredo, con le pregevoli foto “sfumate” di Federico Garibaldi e gli espositori girevoli dietro ai quali appendere le opere per una mostra. Per ribadire il legame-intreccio con l’arte e il gioiello, esposta come un’installazione la collana del progetto artistico TAM GEM in ottone  e madreperla ricavata dalla Sinanodonta Woodiana, una conchiglia fluviale dagli straordinari riflessi (in basso). Realizzata a mano dal giovane e talentuoso Francesco Boselli, formatosi alla scuola GEM Sistema Moda di Valenza, era adagiata su una colonna di argilla cruda. Non nuova al connubio con i gioielli anche l’Ottica 58 Ettore Ponti che per la Jewelry Week ha ospitato i gioielli-scultura delle sorelle Flaminia e Federica. In bronzo, argento, carbonio, impreziositi da pietre, hanno come filo conduttore la treccia, simbolo di unione, amicizia, amore.    

VOCI DA UNA TRAGEDIA

E’ davvero uno spettacolo nel significato più immediato del termine la "versione Marcido" di Le baccanti la più celebre tragedia di Euripide, al Teatro Out Off di Milano fino al 25 ottobre. I personaggi ci sono, come la trama originale. Ma sono secondari in questa coproduzione del Teatro Stabile di Torino, in collaborazione con il Circuito Piemonte dal Vivo, realizzata nel 2025 per la celebrazione dei 40 anni della Compagnia I Marcido.  Con la riscrittura di Marco Isidori che ne è anche regista e attore. Il titolo intero lo preannuncia: “I Marcido presentano. Istruzioni per l’uso del Divino Amore: mana enigmistico. Le Baccanti di Euripide che “precipitano” a contatto col reagente Marcido”.

Le scenografie, come i costumi, sono della geniale e creativa Daniela Dal Cin, non a caso Premio speciale Ubu nel 1991, e premiata nel 2003 e nel 2009 per la migliore scenografia. La prima scena si apre su una immagine fantasiosa di Napoli con tanto di Vesuvio in eruzione. Quindi compare Maria Luisa Abate che interpreta l’indovino Tiresia. Durante il suo monologo intervengono, portando un pianoforte, Alessio Arbustini e Mattia Pirandello nei ruoli di servi di scena o messaggeri, entrambi parte del coro. Quindi compare, con i suoi lunghi capelli biondi, Paolo Oricco nei panni di Dioniso, figlio di Zeus e di una donna mortale, che intona, in linea con la scenografia, una canzone sull’aria di Ninì Tirabusciò, con l’accompagnamento del coro di cui compaiono i volti da buchi della parete.  Che si apre, ed ecco il palazzo del re di Tebe, Penteo, impersonato da Ottavia Della Porta.   La tragedia entra nel vivo, con l’arrivo di Cadmo, nonno di Penteo, interpretato da Marco Isidori. Centro dei dialoghi le Baccanti, donne radunate sul monte Citterone, con i loro terribili riti fatti di sgozzamenti di animali, poi tagliati a pezzi per farne cibo. Sono le più forti sostenitrici del fatto che Dioniso non sia figlio di Zeus, ma di un comune mortale. Le Baccanti indiavolate faranno a pezzi, credendolo un leone, anche Penteo, mandato lì, vestito da donna, su criminoso suggerimento del perfido Dioniso. La prima ad accanirsi sul finto leone sarà proprio Agave, la madre di Penteo (Valentina Battistone). A questo seguirà, con uno straordinario cambio di scena, ricomposta con pezzi come un puzzle, la disperata reazione di Agave. Quando, in pieno stile tragedia greca, capirà di aver ucciso ed essersi nutrita del proprio figlio. Davvero incredibile la velocità, l’armonia, l’ineguagliabile sincronismo con cui gli attori smontano e ricompongono le scene.  Costruiscono pavimenti sotto al recitante, cantano, ballano, si sovrappongono, prendono sembianze diverse, anche con l’aiuto di incredibili cappucci-maschere. Il tutto con un ritmo tale da far sentire il pubblico parte della scena.  

POESIA E DENUNCIA

“Un’illuminante testimonianza antropologica…una delle espressioni più vivaci del nuovo teatro”. “Un piccolo, prezioso e rarissimo capolavoro”. “Una prova straordinaria, capace di inquadrare nel rigore il suo racconto non meno straordinario”. ”Lo spettacolo è di quelli che ti restano dentro all’anima”. “Un gioiello di scrittura soprattutto per la poesia e la spiritualità popolare che, lentamente, pervadono lo spettacolo”. “Luminosa poesia teatrale della parola e del gesto…”. Sono solo alcune frasi di recensioni, dei maggiori critici teatrali italiani, riguardo a Dissonorata. Un delitto d’onore in Calabria di e con Saverio La Ruina, ieri in scena, unica serata, al Teatro Gerolamo di Milano. Prodotto da Scena Verticale, è la storia di Pascalina una giovane donna nella Calabria del dopoguerra, quando l’ignoranza e il più bieco maschilismo regnavano sovrani. 

La Ruina è Pascalina, che si racconta in prima persona, inframezzata da altre voci di donne, amiche, zie, madri. Dagli inizi, quando deve aspettare a sposarsi, perché prima deve maritarsi la sorella maggiore, a rischio di diventare "disprezzata zitellona". Quindi si sposa con l’uomo scelto dal padre, che lei ama, tanto da temere sempre di essere lasciata. Resta incinta, ma per calcolo dei tempi viene considerata "non vergine prima del matrimonio" e, quindi, irrimediabilmente destinata a essere vittima di delitto d’onore. E’ un monologo con il prezioso e ottimo accompagnamento delle musiche originali, eseguite dal vivo con strumenti a fiato, da Gianfranco De Franco. Eppure solo con le parole, i sorrisi, anche talvolta le frasi al limite del grottesco, riesce a far immaginare la vita del paese, l’atteggiamento degli uomini, la solidarietà ma anche il disprezzo delle altre donne. Pascalina sul palcoscenico è così vera e vicina, che ci si sente quasi responsabili del suo terribile destino. Anche se non esagera mai nella drammaticità, anzi alle volte ha delle espressioni buffe, che suscitano più di un sorriso. Peccato che essendo il testo in stretto dialetto calabro-lucano (del Pollino) si perdano molte frasi. Sarebbero auspicabili delle didascalie, come per gli spettacoli in lingua straniera. Solo questo pomeriggio al Teatro Gerolamo è in scena La Borto, sempre scritto e interpretato da Saverio La Ruina, sul tema dell’aborto nel Meridione. Ma gli spettacoli continuano la tournée in Italia.

VIRTUOSAMENTE COMICI

Non è da tutti, anzi è davvero una prova di grandi capacità creative, riuscire a divertire e far ridere quasi ininterrottamente, sempre sul filo della musica, classica in prevalenza. Senza mai cadere nello scontato, nella comicità facile e al limite dell'offensivo.  Succede con Les virtuoses al Teatro Menotti di Milano, da ieri al 18 ottobre. Sul palcoscenico i fratelli Mathias e Julien Cadez, in frac, e un pianoforte. 

L'inizio sembra un normale concerto a quattro mani e poi quasi immediatamente dal virtuosismo si passa ai salti, alle finte, alle rivalità e gli screzi tra i due, fino alle acrobazie più incredibili, al sollevarsi quasi volando, ai giochi di prestigio. Questi ultimi che lasciano intravvedere la discendenza dei Cadez da una famiglia di illusionisti, oltre agli studi di pianoforte al Conservatorio di Lilla. Come quel far uscire, secondo uno studiato ritmo, dalla bocca ora dei palloncini rossi, ora un lungo nastro.  A fare da sfondo alle "prodezze da tastiera" c'è sempre un'importante e ben giocata colonna sonora.  Da Bach a Vivaldi, dalla Marcia Turca di Mozart al più enfatico Strauss. Ogni tanto sulla scena compaiono in divisa gallonata due inservienti, interpretati da Anthony Rzeznicki e Anthony Coudeville, che prima dello spettacolo circolano in platea accogliendo il pubblico. Anche loro contribuiscono, con provata disinvoltura, alle situazioni al limite. L'atmosfera è trascinante, si avrebbe voglia di imitarli.  Il pubblico è completamente coinvolto, qualcuno viene invitato vicino al palco a partecipare allo strano concerto con strumenti immaginari. Ed è un successo condiviso. Straordinari gli effetti speciali (pioggia compresa), i suoni, le luci e pure i costumi con cambi ultrarapidi.

IL RIALZO DELLE BORSE

Non è una fake news, che può apparire sconvolgente. E’ tutto vero. Perché le borse in questione sono quell’accessorio di abbigliamento, prevalentemente femminile, che in questo momento sta vivendo il suo periodo d’oro. Tanto che il termine accessorio può apparire improprio. Un’ascesa, quella della borsa, che si stava preparando da anni, lentamente ma con perseveranza. Chi alla fine dello scorso secolo o ai primi anni Duemila non si è stupito vedendo nelle sfilate le modelle con in mano o a tracolla una borsa? 

Soprattutto perché, per varie "fashion addicted" e personaggi della moda da prima fila, era sempre più in voga non portare borsa, e avere in mano solo un cellulare (appena nato) per chiamare il "driver" all’uscita della sfilata. Le borse sulle passerelle erano una rarità che faceva discutere. Ora perfino su quelle maschili sono una presenza fissa. Anche negli show di maison che non hanno mai dato peso all’oggetto. Ma non solo, basta fare due passi nelle vie della moda, esempio il Quadrilatero milanese, per vedere vetrine di brand, di cui i capi sono la ragione della notorietà, dedicate interamente a questo accessorio. Le borse diventano le protagoniste assolute di eventi e presentazioni.  Certo la varietà dell’oggetto è enorme. E non solo per quel che riguarda la finalità, i materiali, le dimensioni. Protagoniste ieri la Spiritual Bag Collection di Cristina Molardi (in alto) e le borse di My style bags (al centro). Le prime, undici pochette realizzate con piccoli tappeti asiatici: vere opere d’arte, “racconti personali dedicati alla forza della dolcezza, alla libertà di immaginare e al coraggio di seguire la propria direzione” le ha definite l’ispirata autrice. Dalla valigia alla borsa da padel, dallo zaino al nuovo trolley, sono quelle di My style bags. In tela e pelle o solo in pelle con manico in bambù, puntano sulla praticità, ma anche sulle rifiniture e il dettaglio raffinato, come la possibilità di inserire le proprie iniziali.  Se un tempo la ragione del successo della borsa era essere un ottimo oggetto regalo, perché non soggetto a taglie, ora c’è altro. Ed è quasi una conferma il fatto che nel negozio di Hermès a Milano, brand noto soprattutto per le sue borse icone, nelle vetrine compaiano raramente e se ci sono, sono piccole, quasi invisibili (in basso). Molte spiegazioni del “fenomeno borsa” si possono trovare in La Borsa di Antonio Mancinelli, edito da Marsilio. Il libro sta ottenendo un successo che O la borsa o la borsetta, pubblicato da Idealibri nel 1988, non ebbe mai, anzi forse fu uno dei meno venduti della fortunata collana Piccoli piaceri.