VOCI DA UNA TRAGEDIA

E’ davvero uno spettacolo nel significato più immediato del termine la "versione Marcido" di Le baccanti la più celebre tragedia di Euripide, al Teatro Out Off di Milano fino al 25 ottobre. I personaggi ci sono, come la trama originale. Ma sono secondari in questa coproduzione del Teatro Stabile di Torino, in collaborazione con il Circuito Piemonte dal Vivo, realizzata nel 2025 per la celebrazione dei 40 anni della Compagnia I Marcido.  Con la riscrittura di Marco Isidori che ne è anche regista e attore. Il titolo intero lo preannuncia: “I Marcido presentano. Istruzioni per l’uso del Divino Amore: mana enigmistico. Le Baccanti di Euripide che “precipitano” a contatto col reagente Marcido”.

Le scenografie, come i costumi, sono della geniale e creativa Daniela Dal Cin, non a caso Premio speciale Ubu nel 1991, e premiata nel 2003 e nel 2009 per la migliore scenografia. La prima scena si apre su una immagine fantasiosa di Napoli con tanto di Vesuvio in eruzione. Quindi compare Maria Luisa Abate che interpreta l’indovino Tiresia. Durante il suo monologo intervengono, portando un pianoforte, Alessio Arbustini e Mattia Pirandello nei ruoli di servi di scena o messaggeri, entrambi parte del coro. Quindi compare, con i suoi lunghi capelli biondi, Paolo Oricco nei panni di Dioniso, figlio di Zeus e di una donna mortale, che intona, in linea con la scenografia, una canzone sull’aria di Ninì Tirabusciò, con l’accompagnamento del coro di cui compaiono i volti da buchi della parete.  Che si apre, ed ecco il palazzo del re di Tebe, Penteo, impersonato da Ottavia Della Porta.   La tragedia entra nel vivo, con l’arrivo di Cadmo, nonno di Penteo, interpretato da Marco Isidori. Centro dei dialoghi le Baccanti, donne radunate sul monte Citterone, con i loro terribili riti fatti di sgozzamenti di animali, poi tagliati a pezzi per farne cibo. Sono le più forti sostenitrici del fatto che Dioniso non sia figlio di Zeus, ma di un comune mortale. Le Baccanti indiavolate faranno a pezzi, credendolo un leone, anche Penteo, mandato lì, vestito da donna, su criminoso suggerimento del perfido Dioniso. La prima ad accanirsi sul finto leone sarà proprio Agave, la madre di Penteo (Valentina Battistone). A questo seguirà, con uno straordinario cambio di scena, ricomposta con pezzi come un puzzle, la disperata reazione di Agave. Quando, in pieno stile tragedia greca, capirà di aver ucciso ed essersi nutrita del proprio figlio. Davvero incredibile la velocità, l’armonia, l’ineguagliabile sincronismo con cui gli attori smontano e ricompongono le scene.  Costruiscono pavimenti sotto al recitante, cantano, ballano, si sovrappongono, prendono sembianze diverse, anche con l’aiuto di incredibili cappucci-maschere. Il tutto con un ritmo tale da far sentire il pubblico parte della scena.  

POESIA E DENUNCIA

“Un’illuminante testimonianza antropologica…una delle espressioni più vivaci del nuovo teatro”. “Un piccolo, prezioso e rarissimo capolavoro”. “Una prova straordinaria, capace di inquadrare nel rigore il suo racconto non meno straordinario”. ”Lo spettacolo è di quelli che ti restano dentro all’anima”. “Un gioiello di scrittura soprattutto per la poesia e la spiritualità popolare che, lentamente, pervadono lo spettacolo”. “Luminosa poesia teatrale della parola e del gesto…”. Sono solo alcune frasi di recensioni, dei maggiori critici teatrali italiani, riguardo a Dissonorata. Un delitto d’onore in Calabria di e con Saverio La Ruina, ieri in scena, unica serata, al Teatro Gerolamo di Milano. Prodotto da Scena Verticale, è la storia di Pascalina una giovane donna nella Calabria del dopoguerra, quando l’ignoranza e il più bieco maschilismo regnavano sovrani. 

La Ruina è Pascalina, che si racconta in prima persona, inframezzata da altre voci di donne, amiche, zie, madri. Dagli inizi, quando deve aspettare a sposarsi, perché prima deve maritarsi la sorella maggiore, a rischio di diventare "disprezzata zitellona". Quindi si sposa con l’uomo scelto dal padre, che lei ama, tanto da temere sempre di essere lasciata. Resta incinta, ma per calcolo dei tempi viene considerata "non vergine prima del matrimonio" e, quindi, irrimediabilmente destinata a essere vittima di delitto d’onore. E’ un monologo con il prezioso e ottimo accompagnamento delle musiche originali, eseguite dal vivo con strumenti a fiato, da Gianfranco De Franco. Eppure solo con le parole, i sorrisi, anche talvolta le frasi al limite del grottesco, riesce a far immaginare la vita del paese, l’atteggiamento degli uomini, la solidarietà ma anche il disprezzo delle altre donne. Pascalina sul palcoscenico è così vera e vicina, che ci si sente quasi responsabili del suo terribile destino. Anche se non esagera mai nella drammaticità, anzi alle volte ha delle espressioni buffe, che suscitano più di un sorriso. Peccato che essendo il testo in stretto dialetto calabro-lucano (del Pollino) si perdano molte frasi. Sarebbero auspicabili delle didascalie, come per gli spettacoli in lingua straniera. Solo questo pomeriggio al Teatro Gerolamo è in scena La Borto, sempre scritto e interpretato da Saverio La Ruina, sul tema dell’aborto nel Meridione. Ma gli spettacoli continuano la tournée in Italia.

VIRTUOSAMENTE COMICI

Non è da tutti, anzi è davvero una prova di grandi capacità creative, riuscire a divertire e far ridere quasi ininterrottamente, sempre sul filo della musica, classica in prevalenza. Senza mai cadere nello scontato, nella comicità facile e al limite dell'offensivo.  Succede con Les virtuoses al Teatro Menotti di Milano, da ieri al 18 ottobre. Sul palcoscenico i fratelli Mathias e Julien Cadez, in frac, e un pianoforte. 

L'inizio sembra un normale concerto a quattro mani e poi quasi immediatamente dal virtuosismo si passa ai salti, alle finte, alle rivalità e gli screzi tra i due, fino alle acrobazie più incredibili, al sollevarsi quasi volando, ai giochi di prestigio. Questi ultimi che lasciano intravvedere la discendenza dei Cadez da una famiglia di illusionisti, oltre agli studi di pianoforte al Conservatorio di Lilla. Come quel far uscire, secondo uno studiato ritmo, dalla bocca ora dei palloncini rossi, ora un lungo nastro.  A fare da sfondo alle "prodezze da tastiera" c'è sempre un'importante e ben giocata colonna sonora.  Da Bach a Vivaldi, dalla Marcia Turca di Mozart al più enfatico Strauss. Ogni tanto sulla scena compaiono in divisa gallonata due inservienti, interpretati da Anthony Rzeznicki e Anthony Coudeville, che prima dello spettacolo circolano in platea accogliendo il pubblico. Anche loro contribuiscono, con provata disinvoltura, alle situazioni al limite. L'atmosfera è trascinante, si avrebbe voglia di imitarli.  Il pubblico è completamente coinvolto, qualcuno viene invitato vicino al palco a partecipare allo strano concerto con strumenti immaginari. Ed è un successo condiviso. Straordinari gli effetti speciali (pioggia compresa), i suoni, le luci e pure i costumi con cambi ultrarapidi.

IL RIALZO DELLE BORSE

Non è una fake news, che può apparire sconvolgente. E’ tutto vero. Perché le borse in questione sono quell’accessorio di abbigliamento, prevalentemente femminile, che in questo momento sta vivendo il suo periodo d’oro. Tanto che il termine accessorio può apparire improprio. Un’ascesa, quella della borsa, che si stava preparando da anni, lentamente ma con perseveranza. Chi alla fine dello scorso secolo o ai primi anni Duemila non si è stupito vedendo nelle sfilate le modelle con in mano o a tracolla una borsa? 

Soprattutto perché, per varie "fashion addicted" e personaggi della moda da prima fila, era sempre più in voga non portare borsa, e avere in mano solo un cellulare (appena nato) per chiamare il "driver" all’uscita della sfilata. Le borse sulle passerelle erano una rarità che faceva discutere. Ora perfino su quelle maschili sono una presenza fissa. Anche negli show di maison che non hanno mai dato peso all’oggetto. Ma non solo, basta fare due passi nelle vie della moda, esempio il Quadrilatero milanese, per vedere vetrine di brand, di cui i capi sono la ragione della notorietà, dedicate interamente a questo accessorio. Le borse diventano le protagoniste assolute di eventi e presentazioni.  Certo la varietà dell’oggetto è enorme. E non solo per quel che riguarda la finalità, i materiali, le dimensioni. Protagoniste ieri la Spiritual Bag Collection di Cristina Molardi (in alto) e le borse di My style bags (al centro). Le prime, undici pochette realizzate con piccoli tappeti asiatici: vere opere d’arte, “racconti personali dedicati alla forza della dolcezza, alla libertà di immaginare e al coraggio di seguire la propria direzione” le ha definite l’ispirata autrice. Dalla valigia alla borsa da padel, dallo zaino al nuovo trolley, sono quelle di My style bags. In tela e pelle o solo in pelle con manico in bambù, puntano sulla praticità, ma anche sulle rifiniture e il dettaglio raffinato, come la possibilità di inserire le proprie iniziali.  Se un tempo la ragione del successo della borsa era essere un ottimo oggetto regalo, perché non soggetto a taglie, ora c’è altro. Ed è quasi una conferma il fatto che nel negozio di Hermès a Milano, brand noto soprattutto per le sue borse icone, nelle vetrine compaiano raramente e se ci sono, sono piccole, quasi invisibili (in basso). Molte spiegazioni del “fenomeno borsa” si possono trovare in La Borsa di Antonio Mancinelli, edito da Marsilio. Il libro sta ottenendo un successo che O la borsa o la borsetta, pubblicato da Idealibri nel 1988, non ebbe mai, anzi forse fu uno dei meno venduti della fortunata collana Piccoli piaceri.

ECLETTISMO E IRONIA

Chiamarla mostra è riduttivo e neanche "rassegna personale" rende l’idea. A proposito di Nespolo. Magnifiche illusioni, da ieri al 28 gennaio 2027 alla Fondazione Pasquinelli di Milano. E non solo perché è accompagnata da una serie di incontri. Perché Ugo Nespolo è un personaggio particolare “Impetuoso interprete di una scena artistica e culturale in ebollizione , aperta a ogni possibilità”. E’ stato messo in evidenza nella presentazione di Antonello Negri, curatore della mostra, all’inaugurazione.   

L’eclettismo di Nespolo salta subito all’occhio. Il passare dalla pittura e scultura al cinema sperimentale, dalla ceramica ai libri.  Sempre legando tutto con “il filo sotterraneo di una logica precisa , in autonomia alle tendenze dominanti”. Ed è la sua capacità di transitare dagli esordi dell’Arte Povera degli anni ’60 alla sperimentazione concettuale, fino alle forme d’arte più recenti. “Il titolo Magnifiche illusioni sa di malinconia, ma l’arte è velata di malinconia in questo momento”  ha detto Nespolo. E la modernità può essere secondo lui fonte di bellezza, per questo l’artista ha sempre fatto quello che gli piaceva, “il contrario di quello che ci si aspettava". ”Solo gli stupidi non sono malinconici” una frase, apparentemente oscura, surreale, ma in realtà che spiega l’evoluzione dei suoi lavori nel tempo. Anche i titoli delle sue opere, spesso superflue nell’arte di molti artisti, nelle sue diventano parte integrante. Da Animale da nutrire a La fontana malata (in alto). Interessanti, e sempre dominati dal colore, i puzzle di acrilici su legno o i lavori su panno. In mostra anche le sue copertine dei grandi classici (al centro). Tra le sculture  i bozzetti per le scenografie di L'elisir d’amore (in basso)e di Madama Butterfly. E i video, dal 1967 al 1975-76, con Un supermaschio, durata 25 minuti, il più lungo, dall’irresistibile, sottile humour. A raccontare il gusto per la sperimentazione le più recenti opere Ubu Roi e Lest I forget. La prima, collocata sul terrazzo, è un’enorme scultura gonfiabile ispirata all’opera teatrale di Alfred Jarry, padre della Patafisica. La seconda, con varie scritte e disegni, in tecnica mista su legno, come scrive Negri, è “monumentale conclusione e al tempo stesso chiave di lettura della mostra”. Nespolo. Magnifiche illusioni, con i suoi incontri, può essere l’occasione per conoscere la Fondazione Pasquinelli, creata dall’imprenditore Francesco Pasquinelli, cultore di musica e arte, per promuovere attività di formazione e di educazione soprattutto per i giovani e gli anziani. Info:didattica@fondazionepasquinelli.org

PER CAPIRE IL NOVECENTO

Il Museo del Novecento di Milano continua con le mostre sui lavori dei critici d’arte. Dopo Enrico Crispolti, apre domani, al 4° piano, La terra vista dalla luna dedicata a Tommaso Trini. Un modo interessante e illuminante per comprendere i linguaggi e le correnti contemporanee, così varie e diversificate. “La critica d’arte è stata e continua a essere uno strumento essenziale per leggere il nostro tempo… Rileggere oggi il lavoro di Tommaso Trini significa riportare alla luce questa storia e renderla nuovamente accessibile al pubblico” ha spiegato l’assessore alla cultura Tommaso Sacchi. 

 

Il titolo La terra vista dalla luna è ispirato dalla fotografia Earthrise, dell’astronauta William Anders durante la missione Apollo 9 del 1968. Un’immagine che Trini ha usato sulla rivista Domus nel 1969 per illustrare un articolo dedicato alle ricerche sul paesaggio e sulla natura, con riferimento allo spazio e al cosmo, argomento a cui il critico è sempre stato interessato. Nella mostra, divisa in quattro settori, da vedere dai suoi dattiloscritti e appunti a mano alle lettere scritte ad artisti e critici. Dalle foto e i manifesti di mostre alle pagine con i suoi articoli su varie riviste, tra cui, oltre a Domus, DATA da lui fondata e diretta tra il 1971 e il 1978. E poi ancora audio e video con interviste.  Tutto è estremamente chiaro, e dà un’idea di come Trini abbia precorso i tempi. La mostra, curata da Daniela Domina e Iolanda Ratti con Lodovica Cesaretti, contempla il materiale d’archivio, curato anche dal figlio di Trini Jacopo, dalla fine degli anni ‘50 alla fine degli anni ‘80. Quando Trini si dedica quasi completamente all’insegnamento all’Accademia di Belle Arti di Brera (in alto una delle foto della mostra).  Insieme a questa mostra, sempre al quarto piano, nella Galleria Gesti e Processi si aprono le sale per FOCUS900, programma di approfondimento sull’arte italiana della seconda metà del Novecento realizzato in collaborazione con artisti e studi d’artista. Con due focus monografici e uno collettivo con artisti dai linguaggi diversi. Il primo monografico è dedicato a Vincenzo Agnetti e la sua poesia, diventata negli ultimi anni il filo conduttore della sua arte (al centro un'installazione di Agnetti). Il secondo ha come protagonista Enrico Castellani, maestro nello studiare le superfici in dialogo con la luce e lo spazio. Mentre il terzo focus collettivo presenta le opere di Valerio Adami, Alik Cavaliere, Lucio Del Pezzo, Bobo Piccoli, Emilio Tadini.  Ognuno con il suo linguaggio, espressione e testimonianza della scena artistica milanese anni ’60 e ’70 (in basso opere di Del Pezzo e Adami). Le mostre, aperte il 6 ottobre, chiudono il 14 marzo 2027.

VESTIRSI D'ARTE

Che le contaminazioni fra arte e moda siano sempre più frequenti non è una novità. Non solo l’arte, in particolare la pittura, è di ispirazione, ma è sempre più forte il dialogo che ha con la moda. E’ particolarmente evidente, anzi è il punto di partenza, nella mostra dall’esplicito titolo Indossa l’arte. Dal quadro all’abito, aperta ieri alla Galleria d’Arte Marco Bertoli-M45 a Milano. 

 

Da vedere, nelle sale dello storico palazzo di Via Manzoni, il progetto Art to wear di Francesca Levi. Si tratta di sette abiti nati dal confronto con l’arte di sette grandi protagonisti. Ovviamente sono pezzi unici realizzati e dipinti a mano. Dietro questi la creatività di Francesca Levi, artista e designer con una formazione all’Accademia di Belle arti di Brera e un diploma in Industrial Design alla Scuola Politecnica di Design, ma soprattutto, come rivela lei stessa, avere “respirato arte” fin da bambina. La sua "arte da indossare" non riproduce opere specifiche degli artisti, ma ne prende degli elementi per assemblarli e rielaborarli sul tessuto, anche tenendo conto della linea e della forma degli abiti.  Così mutati da Klimt sono quei piccoli moduli geometrici e quei ricami dove l’oro prevale. Da Picasso quelle geometrie di vari toni di grigio con accostamenti di tessuto lucido e opaco, che si muovono con l’abito. Anche da Mirò ci sono geometrie, ma coloratissime, che emergono su un fondo grigio. Una composizione di geometrie, invece, per Kandisky che, in qualche modo, si riflettono nella forma con maniche larghe in fondo e scollo a V sia davanti che dietro (in alto). Inconfondibile Fontana dove il taglio sul retro sembra simulare uno spacco (in basso). L’abito nero legato a Hokusai s’ispira a La grande onda di Kanagawa che compare e si muove quando l’abito è indossato. La mostra è aperta fino a sabato 3 ottobre, dalle 11 alle 18.